John Williams

En los últimos meses he estado escribiendo sobre diversas personas del mundo del arte y del entretenimiento a los cuales he admirado desde hace mucho tiempo. Sin embargo, la razón por la que he escrito sobre ellos se debe a que hemos recibido la triste noticia de sus muertes. En esta entrada escribiré sobre un hombre al cual quiero celebrar hoy que aun sigue vivo a sus 84 años.

Este ejercicio naturalmente que solo lo hago por mi, ya que se que el día que anuncien su muerte, yo no tendré ganas de escribir absolutamente nada pues estaré sumamente triste, por lo cual, mejor lo hago ahora.
Tengo ganas de escribir sobre su obra con alegría. 

Acabo de ver en Youtube la Gala que se hizo en su honor en el Walt Disney Hall de Los Angeles apenas el mes de junio de 2015 con la orquesta filarmónica de los Angeles bajo la dirección de Gustavo Dudamel y con la participación del violinista Iztak Perlman. ¡Cuanta genialidad!

John Williams es sin duda el compositor mas prolífico y afamado de nuestros días. Su producción musical es interminable. Ha recibido 50 nominaciones al Oscar y ha ganado en 5 ocasiones. Injusticia total. Aunque la academia gringa nunca se ha caracterizado por ser muy justa o coherente que digamos.

La increíble variedad de sus melodías, sus maravillosas orquestaciones, pero sobretodo su sentido de la espectacularidad es innegable.

Mi primer contacto con la música de este prodigioso compositor fue en el lejano 1978 con la película Superman. En realidad, ha de haber sido unos años después de su estreno original, en algún reestreno de esta cinta, ya que yo apenas contaba con un año de edad en el 78.

El hecho está en que ese tema quedó tatuado en mi inconsciente. Este es el tema compuesto por él que más me emociona a la fecha, y eso que no soy tan fan de Superman.
Es un tema que va mas allá de la espectacularidad.

Primero el prólogo, que es maravillosamente, misterioso y elegante, marca el tono de lo que habrá de venir. Luego se interrumpe abruptamente y aparece una frase corta seguida inmediatamente por un silencio, luego se repite esa misma frase pero un par de notas añadidas que se vuelve a repetir y mas notas se suman y asi se va construyendo un espectacular crescendo que no nos suelta y va generando una delirante expectativa que se va acumulando cada vez mas y mas hasta que explota con el comienzo de la fanfarria principal.  

El siguiente video permite disfrutar de la elegancia y espectacularidad de este tema en este sencillo arreglo para piano. 

En la década de los setenta el maestro Williams compondría las partituras para tres películas que todo mundo adora y que a mi me pasaron medio de noche cuando chico, pero que vine a redescubrir tiempo más tarde. Tiburón (1975), Encuentros cercanos del tercer tipo (1977) e E.T. (1982). Las tres dirigidas por Steven Spielberg.

El tema de Tiburón es probablemente el tema más fácilmente reconocible de la música moderna
Su sencillez y eficiencia es abrumadora. Cuatro notas le fueron suficientes a Williams para crear suspenso como jamás ningún otro tema lo ha hecho. Tiburón fue el segundo Oscar para Williams pues ya había ganado anteriormente con la adaptación de la música de la Obra de Broadway Violinista en el Tejado  al cine.
Encuentros cercanos del tercer tipo es una de esas películas que jamás tendrá igual. Todo se conjuntó para hacerla un clásico de culto, épica y refinada.
Parte del encanto de esta película, es el uso de la música como lenguaje interplanetario y la espectacularidad y sofisticación del tema que compuso el maestro williams para que los alienígenas se comunicaran con nosotros lo que vuelve todo el evento de verla entrañable.

En 1995 le escribí al maestro diciéndole lo mucho que he admirado su trabajo y lo mucho que significa para mi su música (una carta normal de fan) y me mandó de regreso una tarjeta con las notas del icónico tema de encuentros cercanos. Uno de mis tesoros mas preciados.

E.T. tampoco figura dentro de mis películas favoritas, sin embargo la música de Williams nuevamente vuelve a trascender cualquier crítica o rechazo que yo pudiera tener contra el filme.
E.T. fue el cuarto premio Oscar para Williams después de que en 1977 ganara su tercer estatuilla dorada por la partitura original de una película de aventuras espaciales llamada La Guerra de las Galaxias.

En 1979 se dió un fenómeno extraño. En un lapso de tres o cuatro años salieron a la luz varias adaptaciones de la novela Drácula para la pantalla.

Una de estas la llevó a cabo el director John Badham director de películas como Saturday night fever 1979 y Blue Thunder 1985, que buscando capitalizar el éxito de Frank Langella interpretando al conde en Broadway realizó una adaptación de la novela, o mas bien dicho, de la obra de teatro al cine contemporáneo.  Frank Langella luce en esta película elegante y seductor, como un vampirizado John Travolta de Fiebre de Sabado por la noche. Badham hizo un gran trabajo filmando en locaciones lúgubres y casteando a grandes actores como Donald Pleasance y al mismísimo Lawrence Olivier en el papel de Van Helsing. La película entonces luce muy sólida y bien armada, sin embargo el toque final que resultó ser un deleite para propios y extraños fue la música que compuso Williams para esta película. No era la primera vez que un director admitiera que todo cobró sentido una vez que estuvo integrada la música a la edición final. Badham dice que quedó tremendamente sorprendido de como acabó luciendo su versión de Drácula gracias a la prodigiosa música de Williams. Acabó siendo una versión mucho mas elegante y sensual de lo que hubiera sido si hubieran utilizado música moderna.   

Los maravillosos 80

Ya adentrados en la década de los ochenta yo vine a descubrir junto con toda una generación, las aventuras del arqueólogo Henry Jones Jr. mejor conocido como Indiana Jones.
Esas películas por supuesto que marcaron mi infancia.
Una vez más, Lucas y Spielberg marcarían a mi generación con estas tres películas de una manufactura impecable.
Ya he dicho que Superman es el tema que mas me habla de Williams sin embargo son los soundtracks de Indiana Jones los que puedo escuchar completos una y otra vez.
 Estos soundtracks son los que me han acompañado en muchos viajes y en mis propias aventuras.
Yo les tengo un cariño inconmensurable.
Algo extraño siempre me ha sucedido en mi relación con el cine estadounidense. Tengo predilección por las segundas partes, y en el caso de esta trilogía no es la excepción. La película que mas me gusta es El templo de la perdición (1984) y lo mismo su soundtrack. El tema de "Los niños esclavos" es prodigioso.

En esta época fue cuando realmente cobré conciencia de lo que significaba la música para una película y de lo que significaba la música de John Williams en especial para mi.
Como es natural las noticias en esa época eran mas lentas y tardaba uno en enterarse de los pormenores de una película.
Recuerdo que en esta época las películas tardaban en llegar a México cuando menos 4 meses después de su estreno en Hollywood. Todo era mucho mas lento.
Por eso era necesario en esta época leer los créditos de las películas si uno quería enterarse quién era quién.
Recuerdo la sorpresa al descubrir que el Imperio del Sol tenía música de Williams. Ese descubrimiento me hizo sentir importante.
Yo no sabía en ese entonces que todas las peliculas de Spielberg siempre traían música de Williams integrada, con excepción del Color purpura de 1985.
Ahora yo ya no solo seguía a Williams por su música para heroes y aventuras, sino que ahora ya era capaz de disfrutar sus soundtracks mas adultos y eso me hizo sentir sofisticado. Tan sofisticado como se puede sentir un niño de 10 años.
La banda sonora de el Imperio del Sol es una absoluta maravilla. Es emocionante, elegante pero sobre todo conmovedora.
Esta película de Spielberg me parece uno de sus mejores trabajos sino es que el mejor, muy superior a la Lista de Schindler o el Soldado Ryan ya que a diferencia de estas dos películas extremadamente parciales, en el Imperio del Sol no hay buenos ni malos y toda la guerra es vista desde la perspectiva de un niño. Es realmente un peliculón bastante menospreciado.

Los noventa

Los noventas empezaron con la controversial y escandalosa noticia de que Spielberg había decidido hacer crecer a Peter Pan. ¡Sacrilegio! La comunidad peterpaniana estaba escandalizada en indignación.
Lo cierto es que en aquella época, como ya habíamos dicho, las noticias del cine y el mundo del espectáculo había que cazarlas, no era tan fácil estar bien enterado. Existía una revista llamada Cine en video que cuando me acordaba comprarla me permitía mas o menos estar bien enterado. En esa época no había revista  Cine premiere ni Cinemania, mucho menos internet. Por esta razón no me pude enterar de mucho con respecto al nuevo proyecto de Spielberg.
Todo lo que llegué a leer o escuchar sobre el nuevo proyecto de Spielberg de hacer una película de Peter Pan con actores sonaba ambiciosa y la noticia que mas me impactó fue que los efectos especiales serían los mas deslumbrantes que habíamos visto jamas.
 Una vez que fui al cine a verla no quedé impactado por los efectos que de hecho si nos muy buenos ni por el hecho de que Peter Pan hubiera crecido, quede impactado por la música.
Williams lo había logrado una vez mas. Un soundtrack impecablemente manufacturado, de una música poderosa y emocionante al mejor estilo de las películas de piratas, complementada por un par de melodías conmovedoras. Un trabajo completo y sólido. Que gran soundtrack.
1992 estuvo lleno de grandes películas para un chico de 14 años. Fui a ver Batman Regresa, Aladino de Disney, Un equipo muy especial, Cuestion de Honor, Perfume de mujer, Juego de Patriotas, Mi Primo Vinny, Buffy la Cazavampiros, La Muerte le sienta bien. Wow que gran año.
Sin embargo de todas esas historias y personajes que conocí ese año una idea se quedó tatuada en mi subconsciente.
La idea de que yo a mis 14 años pudiera andar por las calles de Nueva York en una limusina comiendo una pizza de queso se me hizo la mejor idea que pudiera existir, por lo cual Mi pobre Angelito 2 se convirtió en una de mis películas favoritas de todos los tiempos de forma inmediata.
La música que compuso Williams para esta película está basada naturalmente en la de la primera parte compuesta por el mismo, sin embargo este soundtrack lo siento mas navideño que el primero y me gusta mucho ponerlo durante la época navideña. Es un soundtrack divertido en extremo.
Un horizonte Lejano también se estrenó en 1992 y este soundtrack nos demuestra la capacidad de John Williams para componer música basándose en los sonidos característicos de la música folclórica de algún país, en este caso Irlanda.
Este soundtrack es muy emocionante y divertido e incluye una canción de Enya que lo vuelve todavía mas interesante de lo que ya es.
Yo como muchos otros nostálgicos de aquella época remota me la pasé muy bien a los inicios de los noventa con las películas de Hollywood. Eran definitivamente otros tiempos. Pero de entre todas las maravillas Hollywodenses una destaca de entre las demás.

Parque Jurásico merece una mención a parte ya que fue el fenómeno cinematográfico de la década.

Aunque ya algunas películas habían tenido efectos especiales hechos por computadora como Aladino y Batman Regresa, fue hasta esta obra maestra de Steven Spielberg que pudimos apreciar lo que se nos dejaba venir encima con una velocidad vertiginosa.   La computadora había podido lograr lo que hasta ahora Ray Harryhausen solo había podido soñar, una perfecta integración de los dinosaurios completamente tridimensionales al resto de la escena y una interacción entre las criaturas y los actores como jamás habíamos visto antes en una película. Basada en la novela homónima de Michael Crichton Jurassic Park fue un éxito instantáneo.                                                               

Para completar la escena la música de Williams se volvió a volar la barda. El tema de Jurassic Park es simple y sencillamente épico. Las de cocodrilo se me salen cada vez que lo escucho y peor si llega a ser en vivo.

Música para Juegos olímpicos

Mientras Williams componía toda esa bestial cantidad de música para toda esa bestial cantidad de películas se dio todavía el tiempo para componer la música para 4 Juegos Olímpicos celebrados en los últimos 26 años.
Primero compuso "Olympic Fanfare and Theme" para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles 1984
Escrito específicamente para la ceremonia de apertura.
En una re-edición de 1996, la fanfarria de trompetas inicial fue reemplazada por la canción Bugler's Dream, un tema escrito por Leo Arnaud. Esta versión ha sido usada desde entonces por la NBC para todas sus coberturas olímpicas.
"The Olympic Spirit" para los Juegos Olímpicos de Seúl 1988
Encargado por la NBC Sports para su cobertura televisiva.
"Summon the Heroes" para los juegos Olímpicos de Atlanta 1996
Escrita en conmemoración del centenario de los Juegos Olímpicos modernos. Estrenada el 19 de julio de 1996, la obra destaca por el imperante uso de las secciones de metal y viento y dura aproximadamente seis minutos.
Y finalmente "Call of the Champions" para los Juegos Olímpicos de Salt Lake City 2002.
Todos temas terriblemente emocionantes.

La lista de Schindler
Resulta forzoso mencionar la Lista de Schindler por separado ya que fue todo un evento cinematográfico en el año de 1994.
Spielberg había encontrado por fin la manera de externar su resentimiento en contra de la Alemania Nazi por el intento de exterminio judío, contando la historia (bastante cambiada y caramelizada en la pelicula) de Oskar Schindler quien en la vida real, en efecto ayudó a un cierto número de personas judías a escapar de la persecución nazi, aunque lo hizo, de manera bastante indirecta, al tratar de mantener su industria funcionando durante la guerra.
Puedo hablar por horas de esta pelicula y de porque a mi no me gusta y porque la siento una de las películas mas sobrevaloradas de la historia del cine gringo pero este no es el momento para hacerlo.
Mejor será elogiar la maravillosa música que compuso Williams para este filme.
Williams tiene una capacidad abrumadora para componer temas conmovedores que estrujan el alma, pero el tema de la Lista de Schindler se lleva el premio al tema mas lacrimógeno de la historia de Hollywood.
En 2012 junto con mi esposa fuimos a visitar el complejo de salas de conciertos al aire libre Tanglewood que es la sede veraniega de la Orquesta Boston Pops y que se encuentra ubicada en la ciudad de  Lenox Massachusets.
Ese verano fuimos a dicho lugar para ser partícipes de la celebración del cumpleaños número 80 del afamado compositor. La reseña de dicho evento la puede ser leída al seguir este enlace: 80-aniversario-de-john-williams
Uno de los tantos puntos cumbres de la noche fue la interpretación del violinista Gil Shaham de la Lista de Schindler. Que hermoso tema.

Música patriótica

Williams es un músico apasionado, eso está mas que claro. Y como es de esperarse, parte de esa pasión se la dedica a su país natal. Tiene una capacidad impresionante para componer temas patrióticos que ensalzan ese orgullo por las barras y las estrellas que le hincha el pecho a los gringos y que a todos los demás, especialmente a los latinoamericanos y especialmente a los mexicanos nos causa un escozor muy particular.

Sin embargo hay que reconocer que a pesar de ser temas extraordinariamente gringos, los temas principales de Nacido el 4 de Julio (1989), JFK (1991) y el Patriota (2000) son realmente emocionantes y conmovedores. 

Además de estos temas Williams compuso la "Liberty fanfare" que le comisionó el gobierno gringo para celebrar el centenario de la estatua de la libertad en 1986. Otra pieza muy emocionante por su uso audaz de los metales tan característico en las composiciones de tipo ceremonial de Williams pero gringa hasta la esquina, como era de esperarse.

Los 2000

En aquel primer año del nuevo milenio por fin llega la adaptación cinematográfica de la novela escrita por la escritora inglesa J.K. Rowling publicada en 1997.
La expectativa era mucha.
Yo sin haber leído ni una letra del libro iba al cine con cero expectativas y en plan de divertirme.
Al comienzo aparece el logo de la Warner Bros y en ese instante comienza igualmente el tema principal.
No lo podía creer. Era perfecto.
Una melodía nueva y llena de magia como debía de ser inundó la sala del cine y nos transportó al mundo del magüito inglés.
Así le dábamos la bienvenida al nuevo milenio con música nueva del gran maestro que lo había hecho una vez mas.
Williams colaboraría en dos películas mas formando una trilogía dentro de la saga Potteriana que cuenta con su música.
Esta misma década fue la que vio el desarrollo de la historia de Anakin Skywalker el padre de los gemelos Luke y Leia.
Terribles fueron esos años para mi pues todo aquello que habiamos aprendido sobre Anakin y su maestro Obi wan en la trilogía original fue ignorado y olvidado creando lagunas infranqueables entre las precuelas y la trilogía original.
Yo viviré eternamente decepcionado y hasta enojado con George Lucas y lo que hizo con las precuelas de Star Wars.
Segun yo Lucas no le importó respetar las reglas de lo que implica contar una historia previa a una ya contada.
Entre otras cosas para mi había quedado bastante claro por lo dicho en la trilogía original que el personaje de Obi-wan Kenobi había pecado de soberbio y vanidoso creyendo que él podía entrenar a Anakin Skywalker tan bien como lo hubiera hecho el maestro Yoda.
En las precuelas esto cambia  y al contrario vemos a Kenobi como un maestro capaz y ortodoxo cuya única falla es no lograr controlar al berrinchudo e inmaduro de su estudiante.
Ese tipo de cambios son los que yo no perdoné, y como ese hay muchos.
Segun yo Lucas destruyó a sus propios personajes cambiandoles la historia, la personalidad o volviendolos absurdos. Asi maltrató a C-3po a la princesa Leia, a Yoda, a Obi-wan y hasta al mismísimo Anakin.
Todo esto lo hizo mal a parte de haber sido incapaz de escribir diálogos creíbles, una trama lógica y de conseguir actuaciones medianamente aceptables de sus actores. Las precuelas por ende acaban siendo un desastre aburridísimo.
Siento mucho haberme desviado del tema, trauma no superado.
De lo que nadie puede quejarse es de la música que compuso Williams para estas tres películas.

El duelo de Darth Maul y los jedis no tiene sentido, pues nunca se nos explica porque se están peleando, ni siquiera sabemos si la razón es simple y sencillamente que Maul quería por fin enfrentarse y derrotar a un Jedi, sin embargo el tema de Duel of the fates es tan bueno que ya se ha convertido en todo un clásico.
Across the star es un tema de amor hermoso y conmovedor que le quedó demasiado grande a la absurda historia de amor que escribió Lucas para Amidala y Anakin.
El duelo final entre Obi wan y Anakin no debió haber sucedido sino hasta que Anakin ya era Vader con armadura y máscara respiratoria. El duelo debió haber sido el primer intento de Obi-wan de tratar de regresar a Vader al sendero luminoso y no la eterna y aburridisma escena llena de innecesarios efectos especiales en donde Anakin por alguna extraña razón quiere matar a Obi-wan y este lo único que hace es defenderse.
Una vez mas la escena no tiene ni pies ni cabeza pero la música es excepcional.
Odio las precuelas mas allá de lo posible pero adoro sus bandas sonoras. Williams sin importar el desorden a su alrededor se comportó a la altura como siempre.

El director Rob Marshall explicó en una entrevista que nunca habría imaginado en su vida recibir una llamada del mismísimo John Williams  para pedirle de favor que le dejara componer la partitura para su nueva pelicula Memorias de una Geisha.
"Imaginen el impacto y la emoción de no solo no tener que salir a buscar a Williams sino que él mismo me llamó y me pidió de favor que lo dejara componer la música para la pelicula como si yo tuviera la opción de negarme".
"Cuando por fin escuché la música que había compuesto no lo podía creer, era increíblemente buena."  Naturalmente que la pelicula mejoró mucho en expresividad y elegancia gracias a la música  maestro Williams.
Si el soundtrack del Imperio del Sol es mi favorito, está seguido muy de cerca por el de esta bella película.
Aunque es mi deseo saber mucho sobre música, lo cierto es que se muy poco, por lo cual, lo que escriba aquí debe ser considerado con cuidado.
Lo poco que sé de música me permite disfrutar el ejercicio creativo que realizó Williams en la composición de este soundtrack que para mi suena moderno y antiguo a la vez, lo mismo que japonés y occidental al mismo tiempo.
Es un soundtrack emotivo, sutil y elegante que ayuda bastante a transportar la imaginación al japón entre guerras.
El maestro ha seguido componiendo incluso a la tierna edad de 83 años.
La música del Despertar de la fuerza es muy buena pero como muchas otras cosas en esta fallida película no funciona dentro de ella. Pasa desapercibida ante la falta de emotividad de las escenas y el desorden sonoro y visual de la cinta.
No quedan muchos soundtracks mas en el tintero para el futuro. Se acerca lamentablemente el final, Mientras tanto celebremos que hemos tenido la fortuna de vivir en la época de uno de los más grandes músicos de la historia no solo del cine sino de toda la música.

Miles Davis

The Rat Pack de HBO 1998

En la semana me topé con la noticia de que el actor Don Cheadle debuta como director de cine y lo hace con una cinta que nos contará la vida y obra del afamado músico de jazz Miles Davis.

Primero me gustaría hablar un poco de Don Cheadle ya que se trata de uno de mis actores favoritos.

La primera vez que vi actuar al oriundo de Kansas City Missouri fue cuando la hizo de Sammy Davis Jr. en una pelicula de HBO llamada The Rat Pack de 1998, la cual cuenta la historia de este legendario grupo de actores de la década de los cincuenta que se unieron para hacer películas y conciertos juntos. Primero se reunieron alrededor de la persona de Humprey Bogart y a su muerte en torno a Frank Sinatra. El grupo estuvo conformado por Dean Martin, Sammy Davis Jr., Peter Lawford y Joey Bishop.

En la pelicula Cheadle interpreta de manera soberbia a Davis Jr. lo que le valió ganar el Globo de Oro ese año como mejor actor de reparto.

La pelicula en general recuerdo que es muy buena (hace mucho que no la he vuelto a ver) y el casting es fabuloso con Ray Liotta como Frank Sinatra y Joe Mantegna como Dean Martin.

Tiempo más tarde en el 2001 saldría en Ocean's eleven al lado de medio Hollywood y cosa curiosa, para mi los actores que mas sobresalen de la docena de histriones que actúan en esta cinta son Cheadle y Bernie Mac. O sea los dos negros.

Luego saldría en varias películas y series que me han recomendado mucho pero que no he visto como Hotel Ruanda de 2004 y House of Lies del 2012.  

Naturalmente que para mi fue en Iron man 2 donde se ganó definitivamente mi respeto y admiración cuando lo seleccionaron para interpretar el papel de War machine.

Ahora espero con impaciencia el estreno de Miles Ahead, su debut como director en donde además interpreta el papel principal haciendola de Miles Davis.

Ahora si hablemos un poquito de Miles Davis.

Davis es el padre del jazz moderno.

Asi como Louis Armstrong es el padre del Jazz clásico Davis lo es del contemporáneo.

Claro que ambos titulos son terriblemente ambiguos pues nadie ha sido capaz de definir qué es el Jazz y mucho menos cuando se trata de Jazz clasico o moderno.

El propio Davis odiaba el término Jazz argumentando que era un palabra inventada para tratar de englobar algo que es tan libre que no se deja englobar.

Lo cierto es que Davis empieza a tocar cuando el Jazz estaba en plena evolución hacia el Bebop lo cual no significa otra cosa mas que que había que tocar bien y extremadamente rápido.

Davis estudió en Nueva York en la afamada escuela de artes Julliard pero pronto la dejó para ir en busca de su ídolo Charlie Parker para poder tocar con él y lo logró.

En esa época tocó al lado no solo de Parker sino tambien de Dizzy Gillespie antes de que este dejara el quinteto de Parker.

Después de tocar por todos los clubes habido y por haber de Nueva York consiguió un contrato con Capitol records para grabar un album el cual salió en 1956 llamado "The birth of Cool".

 Hay que recordar que a principio del siglo XX el término que mas se utilizaba para denominar a un grupo que tocaba muy bien era con el término "Hot". "They are on fire". "They are really Hot!"

La idea de estar prendido en llamas al tocar llegó a su punto mas alto con el Bebop y su extrema velocidad.

 El movimiento de Cool Jazz que nació con "Birth of Cool" lo que proponía era todo lo contrario, ritmos relajados y tonos ligeros basados en arreglos formales e incorporando elementos de música clásica.

Davis aunque siempre criticó a Julliard de tener clases demasiado ortodoxas y demasiado "blancas" admitió en varias entrevistas que aprendió de la academia mucho de música clásica que empleó en este periodo.

Siendo un tipo efervescente, todo el tiempo se andaba peleando con compañeros y críticos de la música, pero el colmo fue cuando después de una operación de la laringe no pudo contenerse y estalló en gritos contra alguien, cuando el médico le había prohibido hablar del todo durante 10 días. El resultado de aquel exabrupto afectó su tono de voz de por vida dejándole ese característico tono rasposo y casi como suspiro al hablar.

Entre 1955 formó su famoso Miles Davis Quintet donde conoció al entonces desconocido John Coltrane con quien trabajaría por 5 años.

El quinteto pasó por muchas transformaciones llegó a ser hasta sexteto y con él grabó muchas sesiones  que fueron recolectadas en The Legendary Prestige Quintet Sessions.

En 1959 graba uno de sus trabajos que yo encuentro mas interesantes pues se interesa en el trabajo de compositores españoles como Joaquin Rodrigo y Manuel de Falla. Sketches of Spain también incluye composiciones originales de Gil Evans con sabor flamenco.

Lo malo que siempre pasa con este tipo de genios es que su vida personal casi siempre resulta ser un completo desastre. En 1958 se casa con Frances Taylor su primer esposa y el matrimonio dura 10 años a pesar del abuso y violencia doméstica constantes. Que lástima que no se pueda tener equilibrio y genialidad al mismo tiempo en esta vida.

En 1959 Miles graba con su grupo "Kind of Blue" el que es considerado uno de los mas grandes albumes de la historia del Jazz.

Kind of blue es ese disco que hasta los que no les gusta el Jazz suelen tener en su discografía personal.

La influencia de este album en toda la música posterior, ha hecho que los expertos lo consideren como uno de los álbumes mas influyentes jamás creados. 

En el 2003 La Biblioteca del Congreso de los EU lo escogió para formar parte de su acervo en el registro nacional de grabaciones. En el 2003 fue colocado en el escalón número 12 de los 500 mas grandes albumes de la historia por la revista Rolling Stone.

Como siempre sucede, a mi en lo personal hay piezas de Davis que adoro y que puedo escuchar una y otra vez, asi como discos que puedo escuchar por horas y muchas otras piezas que no soporto y que de inmediato quito por lo estridentes y atonales. 

De todas formas el talento de Miles Davis es innegable y mucha de su música la encuentro deliciosamente relajante y elegante. Te hace sentir civilizado y culto, aunque uno sea un burro ignorante.

Ahora resultará interesante ver que nos plantea Cheadle en su pelicula intitulada Miles Ahead y que se estrenará en abril en los EU y espero en algún lugar en México.

LA CUBETA PALOMERA RESEÑA: Star Wars: Episodio VII

SPOILERS POR DOQUIER.

El despertar de la fuerza. O sea que en algún momento se durmió. ¿Cuándo? ¿Porqué?

Al parecer 30 años se durmió y lo que parecía ser un gran triunfo de la Alianza rebelde tenemos que asumir que fue un terrible fracaso.

O estarán haciendo referencia a que las precuelas durmieron a todo mundo y teníamos que despertar. No lo se.

Lo que si se es que los sucesos del episodio VI los podemos olvidar porque no son necesarios para empezar a ver el VII, lo cual, me dejó con un sabor de que se trataba mas de un reboot que realmente de una continuación.

Lo cierto es que aparentemente es ambas cosas, lo cual, genera un ambiente extraño, en el cual, no sabe uno si comprometerse con los nuevos personajes o seguir leal a la causa de los personajes originales.

Sería terriblemente injusto decir que el director J.J. Abrahams junto con Lawrence Kansdan no hicieron un esfuerzo por cumplir uno de los retos más difíciles que nadie en la industria holywoodense ha enfrentado jamás, la de recuperar a la franquicia mas famosa de la historia que había quedado lastimosamente mancillada después de las malogradas precuelas.

No era tarea fácil, entonces, hacer una historia que incluyera a los personajes de la saga original, que debido a su edad era evidente que no podían ser nuevamente los protagonistas de la historia, al mismo tiempo que debían introducir a los nuevos protagonistas y villanos que nos habrán de llevar hasta el episodio IX con sus aventuras.

Los nuevos personajes son una delicia. Del mismo modo que Carrie Fisher, Mark Hamill y Harrison Ford fueron elegidos los tres en grupo por la química que había entre ellos, Daisy Ridley, John Boyega y Oscar Isaac tienen entre los tres y por separado una inmensa capacidad para encantar al público.

Es evidente que el objetivo es que nos vayamos olvidando poco a poco de los personajes originales y nos vayamos adentrando en una nueva trama, sin embargo, insisto que para ser una secuela, la encuentro terriblemente aislada del resto de la historia.

El clásico scroll hace un buen trabajo en establecer lo que está pasando 30 años después de la batalla de Endor y en ponernos a tono con el conflicto actual. El scroll me puso en la sintonía de que estaba a punto de ver una gran continuación de la historia. Mencionan a Luke y a Leia e introduce al personaje nuevo de Poe Dameron. Hasta ahi todo bien. 

De inmediato la película empieza con sus ejercicios de memoria. Aparece la silueta del destructor estelar cruzando la pantalla ¿Se acuerdan que asi empieza mas o menos A new Hope medio combinado con el Imperio contraataca? Si, si me acuerdo.  

Y asi empieza a aparecer la debilidad principal de la pelicula y uno de mis reclamos más fuertes, que es que la estructura principal del guión es idéntica a la de A New Hope. Es entendible que ante el miedo de una posible nueva marejada de críticas los creadores de The force awakens optaron por irse por el camino pavimentado, conocido por todos, recorrido por todos y extremadamente familiar, en vez de trazar un nuevo camino que a lo mejor nos podía llevar a lugares maravillosos o a lo mejor no.

De esta forma la pélicula, con el pretexto de evocar recuerdos nostálgicos en los fans mas grandes y de atrapar a los mas jóvenes con una fórmula probada, acaba siendo una colección de imágenes repetitivas y en ocasiones francamente aburridas que lejos de evocar sentimientos de nostalgia me hicieron sentir que estaban tratando de manipularme a sentir a fuerza añoranzas que sencillamente no puedo sentir por la simple razón de que acabo de ver la trilogía original la semana pasada.

Yo lamentablemente si esperaba algo nuevo, y obtuve un poco mas de lo mismo pero aderezado con personajes nuevos.

Sin embargo, es importante decir que la tarea tanto cinematográfica como comercial, les salió a la perfección a Disney y entregó un producto nada audaz, nada original, pero que complace fácilmente, pues la fórmula está más que probada.

Usemos el viejo truco de esconder la información vital en el androide. ¿No se les pudo ocurrir nada mas? ¿En serio? Pero como BB-8 es un encanto, no hay porqué centrarse en lo trillado del concepto.

Claro que minutos más tarde vemos al personaje de Rey en un planeta desértico añorando un evento que ha de suceder en el futuro, cuando de pronto llega a ella el pequeño androide para agitar todo su mundo. ¿No habíamos visto eso ya? Pero claro la química de Rey y BB-8 es tan maravillosa que entonces se nos vuelve a olvidar que eso ya lo habíamos visto.

Y asi progresa toda la pelicula haciendo un resumen de todos los personajes, todos los ambientes y todas las situaciones de la trilogía original hasta que parece realmente que estamos viendo una copia resumida de la trilogía.

Para mi hubiera bastado con que la trama estuviera salpicada de situaciones nostálgicas como cuando por accidente prenden el tablero de ajedrez del Halcón y no que cada escena, cada encuadre sea una copia de una escena o un encuadre previamente utilizado en la trilogía original.

El colmo fue la estrellota de la muerte que había que destruir, otra vez, desactivando los escudos primero y atacando su punto débil con X-wings que tienen que maniobrar por una especie de trinchera. 

Para proseguir con los colmos de la pelicula, porque según yo tiene varios, antes debo decir que lo que más me gustó, que fue el uso del Halcón Milenario en todas sus escenas y su cambio de dueño al final de la historia. El Halcón fue el único elemento que realmente me emocionó volverlo a ver en acción, pues fue de los pocos elementos que naturalmente lo sentí como parte de una secuela y no de un reboot. Por otro lado está Chewbacca, que por ingrato no tomé tanto en cuenta y de no ser por él nadie se hubiera salvado. ¡Puro poder wookie!

Otro de los colmos de esta pelicula es la cantidad de coincidencias fortuitas que permiten que la trama siga su curso. Estoy de acuerdo en que los escritores recurran a este recurso cuando se topan con un callejón sin salida o cuando la creatividad se agota, pero usarlo constantemente como lo hacen Abrahams y Kasdan me pareció excesivo y molesto.

Finalmente, otro de los colmos, del cual sufren muchas películas hoy en día es a lo que yo llamo el villano desmotivado.

No se porque a los escritores les da flojera o que se yo, escribir a un villano motivado por una causa la cual podamos entender, valorar y juzgar como audiencia. 

Uno de los villanos del cine que más me ha impactado a mi es Raoul Silva de Skyfall magistralmente interpretado por Javier Bardem. ¿Qué es lo que lo hace tan genial ante mis ojos? Que sabemos no solo de lo que es capaz, sino que conocemos el porqué lo hace, qué es aquello que lo motiva. Para mi saber la motivación del villano es lo más importante en una historia pues no solo nos da una razón de peso para considerarlo amenazante sino que por contraste hace que el héroe aparezca aún más heroico en sus acciones al tratar de detenerlo.

Pues en el episodio VII una vez más tenemos que odiar al malo porque está vestido de negro, y nada más. ¿Recuerdan a Darth Maul?

¿Que hizo que Kylo Ren se revelara contra Luke? ¿Porque odia tanto a Han Solo? ¿De donde emana tanto odio? ¿De donde salió Snoke?

Todas estas preguntas a lo mejor se contestarán en el futuro pero a lo mejor no.

A mi me hubiera encantado enterarme de estas situaciones que forjaron la personalidad de Kylo Ren de tal forma que hubiera podido juzgarlo de mejor forma.   A lo mejor Solo merecía morir o a lo mejor no. Eso no lo pudimos juzgar.

De la capitana Phasma mejor ni hablamos. Que desperdicio.

Por eso digo que si de ver naves se trata es una pelicula excelente. La llegada de la resistencia a lo lejos del lago me hizo recordar las viejas películas de vaqueros cuando por fin a lo lejos se veía venir a la caballería. El escape en la Tie Fighter es formidable y ver a Rey maniobrando al Halcón Milenario, bueno, nerdgasmo total.

¿Qué me dicen del siguiente encuadre? ¡Maravilloso!

Pero si se trata de emocionarse con una historia original con ideas nuevas o algún nuevo sabio mensaje, habrá que esperar al episodio VIII para ver si ahora si se atreven a escribir algo más audaz, lo cual, de hecho debe ser algo inevitable pues no veo que mas formulas probadas pudieran usar después de que aparentemente ya las usaron todas juntas en esta cinta.

Al momento de escribir esta reseña ya habré visto esta película dos veces. ¿Qué la veré más veces? Por supuesto, como fan eso es irremediable. ¿Que Disney, Lucasfilm y todos los involucrados seguirán gastando, por generaciones por venir, el dinero que yo les daré por juguetes que a lo mejor  ya hasta habrá masticado mi perro? Sin duda. Es Star Wars. Es un fenomeno indescifrable. Único. Lástima que esta última entrega de la saga sea todo lo contrario: bastante descifrable y bastante común.

Finalmente el problema es que a pesar de todo lo malo que pudiera tener esta pelicula, no podemos reclamarle nada al director y a su equipo por una simple y sencilla razón: las precuelas.

LA CUBETA PALOMMERA RESEÑA: SPECTRE 2015

SPOILERS POR DONDE QUIERA.

Cuando en 2012 me enteré que Sam Mendes iba a ser el encargado de llevar a la pantalla la nueva instancia de James Bond, mi reacción fue de franca emoción.

Mendes es un gran director al cual he admirado desde que vi su obra maestra Belleza Americana (1999) y luego Camino a la perdición (2002) basada en la novela gráfica del mismo nombre basada a su vez en el manga Lone wolf and cub de Kazuo Koike.

Excelentes películas ambas. 

Por supuesto que una vez que Skyfall fue estrenada quedé como mucha gente y fans de Bond, gratamente satisfecho por una extraordinaria pelicula que supero las expectativas de propios y extraños.

Fast forward al 2015 donde nos topamos con SPECTRE la primer pelicula de este nuevo Bond interpretado por Daniel Criag en la que por primera vez nos íbamos a encontrar con todos los elementos Bondianos que no habían estado presentes todos juntos en las entregas anteriores.

Por asi decirlo iba a ser la primer pelicula completa del nuevo Bond después de una buena trilogía de origen formada por Casino Royale (2006) Quantum of Solace (2008) y Skyfall (2012).

En estas tres películas vimos cómo se construyó la personalidad de un Bond adecuado a los tiempos modernos, tosco, frío, menos formal, y al mismo tiempo mas humano.

SPECTRE para mi gusto, lo destruyó todo.

La pelicula empezó muy bien con esa secuencia en la Ciudad de México extraordinariamente bien filmada. Emoción pura.

Después todo se fue al demonio.

Lo malo es que es una mala pelicula mucho mas nociva de lo que se pudiera pensar pues no solo se echó a perder a sí misma sino que maltrató elementos de las películas anteriores.

Para mi la motivación del malo, lo es todo. Si una pelicula logra convencerme de que es aquello que quiere conseguir el villano y porque quiere conseguirlo, yo ya le creo a todo lo demás.

Bajo este principio, cuando la motivación del malo falla,  para mi el resto de la pelicula ya no tiene la fuerza suficiente para salvarla.

Blofeld siempre ha sido uno de mis villanos favoritos, y yo creo que de todo mundo.

Ha sido el modelo para todo tipo de villanos como el Dr. Garra de el Inspector Gadget o el Dr. Evil, el cual es una excelente parodia de los Blofeld del cine.

Sin embargo este Blofeld lo sentí diluido, carente de una motivación bien construida y fundamentada que pasó a debilitar ante mis ojos no solo a esta película sino a sus predecesoras.

Ahora resulta que la mas brillante mente criminal de la historia, montó toda esta operacion secreta multinacional de proporciones gargantuescas, solo para vengarse de su hermanito adoptivo. 

¡¡¡¿QUE DEMONIOS?!!!

Además de que sus razones para querer cobrar venganza ni siquiera están bien planteadas.

Blofeld solo nos dice que su papá aparentemente tenía algún tipo de predilección por Bond, pero nunca explica de manera clara y contundente cuál fue su tragedia y sufrimiento a raíz de esta mal planteada preferencia paternal.

Independientemente de que pudieron haber escrito algo mucho mejor fundamentado, yo hubiera odiado de todas formas que hubieran hecho hermanos a Blofeld y a Bond.

No he leído todas las novelas de Ian fleming pero estoy casi seguro de que por supuesto nunca planteó que ellos dos fueran hermanos.

Toda proporción guardada es como si hubieran planteado que Holmes y Moriarty eran en realidad hermanos o el Guasón y Batman. Para mi sencillamente es una mala idea.

Pero todo resulta peor cuando no lograron escribir una buena justificación de su odio hacia Bond. Entonces si todo deja de funcionar para mi.

Lo peor es que en el planteamiento de que SPECTRE ha estado detrás de todos los infortunios que ha sufrido Bond, se llevaron entre las patas a Raoul Silva el villano de Skyfall, magistralmente interpretado por el actor iberico Javier Bardem, el cual, contrario a Blofeld si tiene una justificación sólida y bien fundamentada para sus acciones.

Ahora según el argumento de Blofeld en esta pelicula, debemos creer que Silva era un minion mas de Blofeld que actuó bajo sus órdenes cuando en Skyfall había quedado perfectamente claro que había actuado para vengarse personalmente de la "M" de Judi Dench.

Lo planteado en Quantum of Solace de que existe una organización fantasma que ha logrado eludir a la inteligencia británica estaba muy bien. Ese planteamiento me hizo recordar al porfesor Moriarty eludiendo las investigaciones de Holmes.

Hasta ahí la idea de SPECTRE como la organización criminal detrás de Quantum estaba muy bien pero porque meter a Le Chiffre ya Silva como secuaces de Blofeld,  cuando claramente estaban trabajando por su cuenta. 

Algunos fans han festejado que se haya introducido el humor ligero de Bonds anteriores como el de Roger Moore, sin embargo yo considero que esta aligeracion del tono es totalmente discordante a la personalidad del Bond de Craig que venía construyéndose de manera adecuada a lo largo de tres películas.

Ninguno de los chistes funcionó conmigo, con excepción tal vez del ratoncito. Sencillamente no van de acuerdo al tono que se venía construyendo a lo largo de tres películas. 

Si querían aligerar el tono de esta pelicula debieron haber trabajado mas en ello para lograrlo hacer de manera sutil y elegante. No lo hicieron asi y quedo un humor torpe y forzado.

Otro detalle que para mi era de gran importancia era que si Bond se volvía a enamorar de alguien, este enamoramiento tenía que ser planteado de manera inteligente. ¿Como le iba a hacer Bond para volver a confiar en la mujeres después de que las cosas no funcionaron con Vesper?. Aunque al final de Quantum of Solace queda claro que Vesper no lo traicionó voluntariamente, a mi me quedó la sensación de que Bond prefiere mantener su distancia emocional con las mujeres pues incluso la muerte de M se ve que le dolió.

 Ahora tenemos que creer que sin mayor interacción, Bond se enamora perdidamente de Madelene Swan.  No solo la actriz francesa Léa Seydoux luce para mi gusto insípida y bastante olvidable sino que yo no vi ninguna química entre ella y Craig además de que el guión no hace el mas mínimo esfuerzo para que creamos que Bond es capaz de enamorarse de ella por alguna extraña razón.

Recuerdo que Titanic fue ferozmente criticada por la relación pasional que entablan los personajes de Jack y Rose en tan solo unos cuantos días. Los críticos y con toda justificación argumentan que eso no puede ser amor sino pura calentura. Si esto es asi, que podría ser entonces la relación de Bond y Swan. Segun yo nada.

Ya mejor ni digo nada del absoluto desperdicio que significó el papel de Monica Bellucci en esta pelicula. Nuevamente no supieron escribir un papel a la altura de la actriz italiana ni a la altura de las chicas Bond predecesoras. Un completo desperdicio.

Asi me puedo seguir con otros errores de planteamiento y falta de claridad que tiene esta pelicula que para mi gusto no logra estar a la altura de sus predecesoras. 

Me molestó tanto la estructura poco uniforme de esta pelicula que ahora me encuentro defendiendo Quantum of Solace, la cual, ahora he aprendido a disfrutar mas de lo que lo había hecho originalmente.

No cabe duda que las cosas se están echando a perder mucho mas rápido de lo que yo puedo bajar mis expectativas.

Aunque Skyfall efectivamente había puesto la vara demasiado alta y nadie pedía que esta fuera superada. Yo si no esperaba encontrarme con una película tan difusa.

Daniel Rabinovich

Uffff. Que tristeza siento el día de hoy.

En este blog ya he escrito sobre la muerte de varias personas que al morir me han obligado a escribir unas cuantas líneas para comunicar mi pena por su deceso y mi admiración por su legado.

Hoy estas líneas van dedicadas a un humorista porteño que formó parte integral del grupo cómico musical Les Luthiers y que hoy dejó de existir.

Al vivir rodeado de todo tipo de influencias venidas de Europa y estados unidos para mi ha sido natural convivir con el humor de Los hermanos Marx o Los Pythons. Estos grupos de humoristas para mi son lo mas genial que ha existido en el mundo, sin embargo para mi resultó terriblemente refrescante poder hacer conexión con un grupo que no solo hacían humor sino que hacían música, la cual interpretaban con instrumentos inventados por ellos mismos y más aún todo lo hacían en español.

A diferencia de con los Pythons o los hermanos Marx, mi relación con Les Luthiers es íntima muy personal, debido naturalmente a nuestra lengua en común y a los temas que obviamente compartimos argentinos y mexicanos junto con el resto de nuestros hermanos latinoamericanos.

El humor fino, culto e inteligente de Les Luthiers ya lo he elogiado en otra entrada de este blog, hoy escribo para recordar en particular el gran talento cómico de Daniel Rabinovich.

El era el encargado de tocar el "Bass Pipe a vara" uno de los primeros instrumentos creados para la agrupación diseñado por su fundador Gerardo Masana.

De los instrumentos informales también tocaba el Calephone, la gaita de cámara, el latín o violín de lata, y el Alt-pipe a vara.

Daniel tenía la capacidad de tocar muchos y muy distintos instrumentos, él tocaba la batería, el bajo, la guitarra, los timbales, el trombón, la melódica, la flauta, la tarola y algunos otros instrumentos formales.

Pero su talento especial por el que muchos lo llegamos a admirar en demasía era por su capacidad para improvisar disparates y enredos hablados en el escenario.

Uno de los primeros que recuerdo es el famoso Viene de Viena de El Poeta y el Eco.

Vengo de Viena.

¡Ah! Viena de viene. Y asi empezaba la confusión.

Al final de la cantata del Adelantado Don Rodrigo Diaz de Carreras tocando los bongos hace una improvisación tan alocada y creativa que sus compañeros Ernesto Acher y Marcos Mundstock no pueden contener la risa.

Ester Piscore es una absoluta genialidad.
Y Avant Gagrd- De no se queda atrás.

Con Marcos Mundstock hacía una pareja maravillosa como puede ser disfrutado en Radio Tertulia con sus personajes de Murena y Ramirez o con el par de políticos  que quieren cambiar el himno nacional.

La última vez que los pude ver en vivo interactuando en el escenario fue en el show Lutherapia donde Mundstock da terapia psicológica a Rabinovich repitiendo sus papeles de Murena y Ramirez.

Yo tenía presupuestado verlos cuando menos una vez mas en el Auditorio Nacional, lugar donde solían presentar su show cuando visitan México. No va a ser posible.

Daniel  el Neneco como era conocido por sus seres queridos, murió hoy a los 71 años de edad después de que llevaba algunos meses postrado por una enfermedad cardíaca. 

Sus compañeros de Les Luthiers ya habían previsto hacer sin él su nueva gira por España, en octubre de su antología Chist!

Nadie se imaginó un final tan intempestivo.

Argentina llora. Pero les aseguro que no llora sola. Junto a ella lloramos muchos latinoamericanos, demasiados hispanoparlantes que sentimos una gran pena de ya no poder contar con la risa que nos regalaba este extraordinario artista. No quiero ni pensar lo que estarán sintiendo sus compañeros de Les Luthiers con los que trabajó por mas de 40 años. 

Ya será tarea de cada quien buscar los sketches que he mencionado anteriormente si tienen el interés de maravillarse y reir con talento de Daniel Rabinovich y los demás Luthiers. 

Mientras tanto les dejo una delas piezas mas geniales del grupo que interpretan a duo Jorge Marona y Daniel Rabinovich. El Aria Agraria.

Marisa Tomei

Brooklyn ha sido semillero de grandes estrellas de cine.

Lauren Bacall, Woody Allen, Eli Wallach, Barbara Streisand, Mel Brooks, Rita Haywarth.

Ademas cuna de actrices hermosisismas como Anne Hathaway, Debra Messing, Alyssa Milano o Talisa Soto.

Bueno pues esta actriz nacida en Brooklyn en 1964 es ambas cosas.

Yo la considero una de las actrices mas hermosas de Estados Unidos y es sin duda una extraordinaria actriz con tres nominaciones al premio Oscar ganando ya en una ocasión.

Yo descubrí a Marisa Tomei en el lejano 1991 viendo "Oscar", una comedia de John Landis donde Marisa la hizo de la hija del gangster Snaps Provolone interpretado por Sylverster Stallone, en la época en que Sly estaba tratando de dejar atrás sus días de Rambo y Rocky y quería explotar su vena cómica. Este por supuesto fue un papel muy pequeñito para la joven actriz, pero la belleza y capacidad actoral de la señorita Tomei hizo que me enamorara de ella al instante.

En esta película sale ataviada con entallados vestidos de los años treinta que permiten disfrutar de su deliciosa figura y peinados cortitos de la época que hacen resaltar sus maravillosos ojos pardos. Ademas  de que en este papel, utiliza su innato acento italoamericano de Brooklyn que yo encuentro irresistible. Como detalle curioso, Ornella Mutti otra belleza despampanante, la hizo de su mamá aunque tan solo le lleva 9 años. Esta es una comedia bastante incomprendida, que creo funciona bastante bien en muchos niveles y cuyo único posible punto débil es Stallone. 

Marisa Tomei, Sylvester Stallone y Ornella Mutti en Oscar de 1991.

Muy temprano en su carrera, Marisa se topó con un papel que le permitió explotar todo su potencial actoral y ganar un premio Oscar.

El divertido director inglés Jonathan Lynn junto con el escritor Dale Launer, filmaron esta historia de dos neoyorquinos que debido a una serie de confusiones son falsamente acusados de asesinato en el estado sureño de Alabama.

Marisa como Mona Lisa Vitto
en Mi Primo Vinny de 1992

Para hacerle frente a su juicio llaman al primo de uno de ellos que resulta ser un neófito abogado, interpretado magistralmente por el actor Joe Pesci, cuya novia, es una estilista desempleada que extrañamente resulta ser toda una experta en automovilismo.

Mona Lisa Vitto es el nombre de esta bella chica que acompaña a su novio Vincent Gambini desde Nueva York hasta el estado de Alabama donde se topan con todo tipo de inconvenientes sureños muy chistosos y con un estricto juez que sigue los procedimientos legales al pie de la letra interpretado de manera excelsa por el gigantesco actor Fred Gwyn (Herman Munster).

La película ha sido elogiada por la crítica por las extraordinarias actuaciones de todos sus actores y ha sido reconocida por los gremios de abogados como una de las más fieles representaciones en cine de cómo son en realidad los procedimientos legales en una corte.

Si "Mi primo Vinny" no es mi comedia favorita será por culpa de "Que tal Bob", La Vida de Brian o El Joven Frankenstein, pero de que está en mi top 5, por supuesto.

Marisa luce adorable en esta película. Sus líneas escritas excelentemente bien las entregó con seguridad, determinación y mucha gracia. Era esencial para la película que ella pudiera de una manera convincente pasar por una experta de coches, situación que consiguió con creces y que al final le valió ganar el premio Oscar como mejor actriz de reparto en 1993.  

Cuentan las malas lenguas que un envejecido Jack Palance habría cometido el error de leer mal el nombre de la ganadora al premio de mejor actriz de reparto en la ceremonia del 1993 y que por lo tanto Marisa no tuvo que haber ganado.

Lo cierto es que Jack llegó a esa ceremonia jalando una estatua gigantesca del Oscar en la que venía montado el presentador en turno, el comediante Billy Cristal. Jack estaba entero.

Por lo tanto, ni Jack Palance estaba senil, ni se equivocó al leer el nombre de la ganadora, fue sencillamente una de esas decisiones controversiales e ilógicas que le encanta tomar a la academia de ciencias y artes cinematográficas gringa. Esto no quiere decir que la actuación de Marisa sea mala o que no sea merecedora de un premio, lo que sucede es que las otras nominadas dieron actuaciones a la altura de sus nombres como por ejemplo Vanessa Redgrave en Howard's End o Miranda Richardson en Damage.

Al final el premio se lo llevó Marisa y puso a esta excelente comedia en el círculo de las películas ganadores de un Oscar.  

Marisa Tomei en la ceremonia de los
Oscares en 1993

Después de haber ganado su Oscar parecía como que a Marisa le iba a pasar como muchos otros actores que desaparecen o empiezan a tomar malas decisiones.

Marisa empezó a tomar papeles pequeños o de interés romántico que para nada estaban a la altura de una ganadora del Oscar.

En 1992 actuó en "Chaplin" al lado de Robert Downey Jr. en el pequeño papel de Mabel Normand una actriz, productora y directora de cine que actuó junto a Chaplin e incluso lo dirigió y que según los historiadores del cine fue la primera actriz en lanzar el primer pastelazo de crema a la cara de otros actor en la historia del cine.

En el 94 Marisa aparece nuevamente al lado de Robert Downey Jr.en una comedia romántica jaladísima de los pelos en donde el personaje de Marisa, jugando a la Quija siendo una niña se entera de que Damon Bradley es el nombre del hombre con quien habrá de casarse. 

Durante años espera toparse con el tal Damon, esperando que sea una persona de verdad. Y cuando por fin se topa con un fulano por teléfono que se llama asi, se lanza en una travesía por Europa en su búsqueda.

Esta película es un cuento de hadas mas que una comedia romántica tiene dos o tres escenas chistosas y una escena de Marisa Tomei en ropa interior que hace que valga la pena toda la melosa travesía. 

En 1995 Marisa aparece al lado de Alfred Molina y Angelica Huston en una comedia bastante rara sobre los incidentes que vive un grupo de inmigrantes cubanos en Miami.

La espectacular Marisa aparece en esta película interpretando a una fogoza cubana (porque todo mundo sabe lo fogozos que somo los latinoamericanos) que para quedarse en Estados Unidos tiene que formar una familia ficticia de la nada para poder engañar a la migra, la cual, favorece a las familias sobre los individuos para darles permiso de que se queden. 

Es una buena comedia de enredos que nos deja ver un poco el sufrimiento de los inmigrantes cubanos pero que verdaderamente vale la pena porque Marisa luce increíblemente hermosa. ¡Como nunca!

En 2001 Marisa actuó en In the bedroom en un interesante papel por el cual la volvieron a nominar para un premio Oscar como mejor actriz de reparto.

La película es una historia oscura de ritmo lento casi somnoliento que utiliza simbolismos y el uso de la cámara para crear una atmósfera de malestar constante.

Marisa interpreta a una mujer divorciada que está saliendo con un chico varios años menor que ella. Lo malo es que su ex-marido es un maldito psicópata que no ha superado su separación y ahí es donde los problemas comienzan. Se trata de un papel breve pero sustancioso.

La novia de novias.

A partir de mediados de los noventa Marisa Tomei se convirtió en la novia de novias.

La hizo de novia, esposa o interes romantico en innumerables peliculas, todas en las cuales luce encantadora.

Fue la esposa de Michael Keaton en El Periódico de (1994). Gran película y gran papel, uno de mis favoritos de ella.

Es la novia de Mel Gibson en Lo que ellas quieren (2000). Uno tiene que adorar la escena de sexo con Mel Gibson donde él ya puede escuchar lo que ella está pensando y la escena donde él tiene que inventar que es gay para no romperle el corazón. La adoro en esta película.

El interes romantico del Guru del sexo del 2002. 

La novia de Adam Sandler en Locos de ira 2003. ¡Maldito Sandler!

En este periodo también se convirtió en la chica guapa que aparece de la nada, de la cual algún personaje se enamora perdidamente.

Pero sobretodo algo extraño comenzo a suceder pues esta hermosura se empezó a encasillarse como la chica guapa del chico feo.

Asi es. Uno está acostumbrado a ver a las grandes parejas del cine uno mas guapo que el otro. Cary Grant y Grace Kelly, Vivien Leigh y Clark Gable, Kim Basinger y Richard Gere, Brad y Angelina. ¡Ah no! A la pobre de Marisa puro Quasimodo.

¿No me creen?

En Just a Kiss se la estan peleando Ron Erland y Patrick Breen (ahi está IMDB).

En Wild Hogs del 2007 Willaim H. Macy quiere con ella.

En Before the devil knows you're dead del 2007 es la novia de Phillip Seymor Thomas q.p.d.

El otrora guapo de la pantalla Mickey Rourke anda tras sus huesos en el Luchador.

Y finalmente para confirmar que Marisa se volvió sin lugar a dudas la chica de los feos. Jhon C. Reilly se enamora de ella en Cyrus para descubrir que anda con su hijo quien no es otro que Jonah Hill. 

I rest my case. 

40 los nuevos 30.

Marisa siempre significó para mi un símbolo sexual que debía ser seguido a donde quiera que fuera.

Lo malo es que después de ganar su Oscar si actuó en varias peliculas que no se puede catalogar mas que como malas.

En Untamed Heart de 1993 nos regaló una breve pero altamente disfrutable escena topless pero que al final,  no logra compensar el resto de la película mal escrita y mal actuada. 

Así hizo muchas peliculas aburridas y malas.

Tuvo que venir el 2007 para que Marisa se internara en el mundo de las peliculas independientes y así actuó junto a Ethan Hawke y a Phillip Seymour Thomas en  Before the devil knows you are dead.

Un thriller de un asesinato muy bien escrito que cuenta nuevamente con una escena topless de Marisa. A estas alturas del partido la señorita Tomei tenía la tierna edad de 43 y válgame el cielo si no se ve totalmente exquisita.  

Luego actuó al lado de Mickey Rourke en The Wrestler del 2008 , donde interpreta a una bailarina exótica y nuevamente pudimos constatar que para Marisa los 40 son los nuevos 30. Ademas de que nuevamente fue nominada al Oscar por este papel.

Hoy en día hay varias peliculas de ella que no he visto y que se me antoja verlas como Parental Guidance con Billy Crystal, Crazy Stupid Love, y Spare Parts donde comparte créditos con el comediante californiano George Lopez.

Este años Marisa cumple 51 y según yo luce mejor que nunca.

Yo viviré eterna y platónicamente enamorado de esta morena de Brooklyn asi actúe en la obra mas maestra de todas o en el churro mas palomero de todos.

Larga vida a Marisa Tomei.

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